Menschen und Orte - People and Places

 

Menschen und Orte   People and Places – die Malerin Katja Leibenath

Im Frühjahr 2024 erschien eine neue Nachricht von der Künstlerin Katja Leibenath auf meinem Telefon: „Menschen und Orte“ stand da – die Weiterführung eines jahrelangen Dialogs via Textnachricht über das Wesen ihrer Kunst. Ich sah den entschlossenen, klaren Ton in diesen Worten. Ein so einfacher, offensichtlicher Gedanke, der jedoch ihr künstlerisches Schaffen für mich – als Betrachterin und Bewunderin – plötzlich verständlich machte.

Leibenath ist eine in Deutschland geborene, in San Francisco lebende Künstlerin, die ihren Weg zur bildenden Kunst über ein Studium der Architektur fand. Formal geschult in der Darstellung dreidimensionaler Räume auf Papier und in allen präzisionsbasierten Techniken, die man mit architektonischem Können verbindet, ist sie heute Malerin. Ihre Bilder reichen von großformatig bis klein, stets mit selbstbewusstem Pinselstrich. Sie wirken zugleich neu und ikonisch. Der Künstler Ray Beldner sagte einmal über sie: „Sie malt Bilder, die wirklich wie Gemälde aussehen.“

Seit fast zwanzig Jahren verwendet Leibenath Öl und Leinwand, um Landschaften und Figuren zu erforschen – zwei der klassischsten Themen der Malerei. Ihre Arbeit beginnt meist außerhalb des Ateliers, wenn sie durch Stadt und Land streift, auf der langen Suche nach dem wiederkehrenden inspirierenden Moment, den sie über die Zeit mit der Kamera beobachtet und auf Dauerhaftigkeit prüft. Im Atelier beginnt der lange Prozess. Monate des Malens lassen eine tiefe Untermalung entstehen, die dem Werk Gewicht und Substanz verleiht.

Von Beginn an zielte Leibenaths Werk darauf ab, das Wesentliche einzufangen. Eine frühe, beeindruckende Serie über das verschwindende Industriegebiet China Basin (2008) zeigt das deutlich. Hier liegen Frachtschiffe und rostige Trockendocks gut sichtbar in der San Francisco Bay  – komplexe Strukturen und die minütlich sich verändernden Farben verlangten wochenlange Betrachtung, mit großen Leinwänden, in diesem Fall vor Ort. Dieses urbane Motiv wurde somit zu ihrem ersten großen Thema und führte 2010, nur drei Jahre nach Beginn ihrer intensiven Malpraxis, zu ihrer ersten Einzelausstellung bei Hang Art, einer Institution in Downtown San Francisco. Die China-Basin-Serie zeigt nicht nur ihr handwerkliches Können, sondern auch die psychologische Motivation ihres Schaffens: stille, ungesehene Momente mit den Betrachtern zu teilen.

Viele ihrer Werke verweisen auf die Tradition des Bay Area Figurative Movement der fünfziger und sechziger Jahre und wurzeln in deren Erbe. In ihrem grossen, klassisch unbeheizten, doch einladenden Atelier im Stadtteil Bayview spricht Leibenath über ihre tiefe Verbindung zu Künstlern wie Richard Diebenkorn, Wayne Thiebaud und David Parks. 
 
Sie macht aufmerksam auf den Blick aus ihrem Fenster – die abstrakte Industrielandschaft, am Horizont die Hügel der Stadt mit den farbigen Bändern der Architektur, links die San Francisco Bay, Marker ihrer Verbundenheit mit der Schönheit des Alltäglichen. Dabei wird klar, dass sie die Welt anders sieht – als Künstlerin – und man möchte durch ihre Augen schauen.

Und sie verlangt, dass man das tut.

Dieses Motiv zieht sich durch ihr gesamtes Werk, zwischen Landschaft und Figur. Mit der Figuration beschäftigt sie sich von Anfang an, ab 2010 formt sich daraus eine Bildsprache und eigenständiger Werkkomplex. Abstrahierte menschliche Figuren erscheinen im angedeuteten Raum, mit kleinen Köpfen und übergroßen Körpern, breite Streifen dominieren die Idee der Kleidung.

Ich stelle mir die langen Monate im Atelier als einen stillen Dialog zwischen Künstlerin und Figur vor. Viele unterschiedliche Farben werden gemischt, vermischt, und aufgetragen im Entstehen Ihrer Bilder, so viele wie möglich. Nur so erkenne man Zusammenhänge und, hoffentlich, irgendwann die Balance der Komposition. „Es gibt nichts was man nicht übermalen kann“, sagt Leibenath, in Anlehnung an die Diebenkornschen Regeln. Und übermalt wird vieles, und Farbe von der Leinwand gekratzt, gespachtelt, gewischt. Die vielen Pentimenti nennt sie „holidays“.

Wann ein Bild denn fertig sei, frage ich, aus Gewohnheit. „Wenn nichts mehr hinzuzufügen oder wegzunehmen ist“ ist die natürliche Antwort.

Die Figuren sind eindringlich. Kantig, fast monolithisch, erinnern sie an die Statuen der Osterinsel oder frühe Menschendarstellungen. Man könnte sie als „architektonisch“ bezeichnen. Oft blicken sie frontal aus dem Bild, über den Betrachter hinweg. Wir sehen zu ihnen auf, was ihre Autorität verstärkt. Ihre Isolation ist auffällig und wirft Fragen auf: Wo sind sie? In einem Feld? Am Meer? Vor einem Zaun? Trotz Reduktion und Abstraktion bleibt ihre Menschlichkeit spürbar.

Hier zeigt sich Leibenaths Beherrschung des Mediums besonders deutlich. Die Farbe selbst wird zum Gegenstand. Dichte Schichten, pastose Strukturen und raue Oberflächen lenken den Blick auf die Materialität und die Zeit, Geduld und Hingabe, die in jedem Werk stecken. Die Figuren sind schön, aber nicht „hübsch“ – sie besitzen eine unbeholfene Verletzlichkeit, die sie lebendig macht.

Mit ihrer gut erkennbaren Bilderwelt, den fortlaufenden Serien und ihrer starken online-Präsenz hat Leibenath einen großen Bekanntheitsgrad erreicht. Über 400 der Small Figures (seit 2010), über 70 der Imaginary Friends (Unsichtbare Freunde, seit 2020), sind über fünf Kontinente verteilt zu finden. „ich bin gerne mit den Imaginary Friends zusammen“ sagt die Künstlerin, und sie meint es auch so.

Bildende Künstler erklären ihre Arbeiten oft ungern. Leibenath ist da keine Ausnahme. Für mich als Schreibende ist das eine Herausforderung. Ich habe sie alles Mögliche gefragt: Malst du Figuren, um dich weniger einsam zu fühlen? Bist du ein Kontrollmensch? Hat die große Distanz zu deinem Heimatland damit zu tun? Sie nimmt solche Fragen ernst, ohne Ironie. Als immer visuell denkender Mensch war das Architekturstudium eine pragmatische Entscheidung – ein Schritt in die finanzielle Eigenständigkeit, unvorstellbar diese durch ein Kunststudium zu sichern.

Angekommen in Kalifornien siegte die Liebe zur Malerei, wobei architektonische Strukturen ihr Werk weiterhin prägen. Gebäude tauchen überall auf. Sie sind die Hauptfiguren in ihrer Erzählung über den Ort. Als Teil Ihrer „Neuverankerung“ bereist und fotografiert Leibenath seit 25 Jahren die USA.

Diese Fotoserien und Skizzen werden zu Quellen, manchmal zu Gemälden. In ihrer Bakersfield Serie (2015) dominieren Wassertürme und Highways entlang Interstate 5 die karge Landschaft. In der Salton Sea Serie (2016) malt sie südkalifornische Fünfziger Jahre Wohnmobile „im Porträt“, frontal, ohne Ausnahme. Die SF (San Francisco) Bilder (2011 - ) beschreiben Zwischenräume und Durchblicke Viktorianischer Architektur. Bei den Airfields (2020), der Bilderreihe, die während der Corona Pandemie entstand, geht es um Markierungen auf den leeren Rollfeldern des Flughafens in San Francisco, welche sie seit Jahrzehnten beobachtet und fotografiert. Die Views from the Studio sind ihre Interpretation quintessenzieller San Francisco Ansichten steiler Straßen und der scheinbar gestapelten Architektur.

In einem Gespräch über das Leben fern der Heimat fanden wir schließlich den gemeinsamen Nenner. Für sie war Malen zunächst eine Antwort auf den Verlust der Wurzeln, der Zugehörigkeit, – eine Art, in einer neuen Welt Anker zu werfen.

Was vermisst man, wenn man im Ausland lebt? fragte ich sie. „Es ist ganz einfach“, sagte sie an einem regnerischen Nachmittag in San Francisco. „Wenn man darüber nachdenkt - das was uns hält, egal ob wir es Wurzeln oder Anker nennen, am Ende sind es immer Menschen und Orte.“

 
—

Danielle Smith ist Journalistin, Schriftstellerin und Galeristin in San Francisco, Kalifornien.